El arte está en la naturaleza

Cuando tenemos las cosas delante, nos cuesta mucho verlas.

Hace poco, llegando a mi casa de la universidad, me parecieron ver las montañas de la Sierra Calderona muy oscuras, más de lo normal, casi negras. Desde entonces siempre me fijo y cada día las veo de una manera distinta. Sinceramente no sabía porqué, hasta que me di cuenta de que eran las nubes. Las propias nubes junto con la luz del Sol creaban contrastes en las montañas, manchas de luces y sombras que enriquecían el paisaje.

A los pocos días, dimos este concepto en clase de historia del arte, cómo las nubes tenían la capacidad de enriquecer un paisaje, crear contrastes de luces y sombras, convirtiéndose en una herramienta fundamental para los pintores de paisaje, puesto que pueden utilizarlas para destacar cosas concretas de sus obras.

En Valencia es cierto que siempre tenemos un cielo azul y despejado; pero, últimamente, hay muchas nubes que parecen de mentira, como si las hubieran puesto para ver el paisaje, como si estuvieran pintadas; creando efectos muy parecidos a los que vemos en las obras de William Turner, por ejemplo.

En estas fotografías podemos observar el arte de naturaleza, el arte que tenemos delante y que nunca vemos, porque la naturaleza es arte, simplemente hay que saber mirar para poder disfrutarlo.

Vive la vida

Magisterio y sus continuas críticas

Hoy en día y desde hace muchos años, la carrera de magisterio recibe muchas críticas por ser demasiado fácil. Los estudiantes de la misma defienden que no es tan fácil y que la estudian porque les gusta, ya que si no, nuestros futuros hijos no podrían disfrutar de una educación.

Hay carreras y carreras, para gustos, colores. Algunas, como arquitectura y medicina, son  muy vocacionales, para estudiarlas has de tener muy claro que te gustan, puesto que son duras. Pero, ¿por qué son tan duras? De todos los estudiantes que entran el primer año, muchos abandonan conforme van pasando los años porque, o bien no les gusta lo que estudian, o bien no llegan, no pueden soportar la presión que suponen. Esto es así y no puede ser de otra manera, ya que tanto un arquitecto como un médico necesitan estar muy bien formados y ser conscientes a la hora de empezar a trabajar de lo que ambos títulos suponen, puesto que ponen en juego la vida de muchas personas. Un arquitecto no pude permitirse que un edificio se derrumbe, ya que provocaría muchas muertes; de la misma manera que un médico no puede operar sin tener claro lo que debe hacer, de ser así, podría acabar con la vida de sus pacientes.

Magisterio, al fin y al cabo, es igual de vocacional. Los profesores de infantil y primaria son los que se ocupan de la educación de los niños: los futuros arquitectos, ingenieros, médicos, etc. Es muy importante que estén bien formados. Para ello, no puede ser una carrera que pueda acabar cualquiera; simplemente los buenos profesores, gente con bases de todo, que sepa escribir y expresarse bien (esto os parecerá ridículo porque es lo primordial en un profesor, no tener faltas de ortografía, pero muchos las tienen, algo completamente inaceptable), que sepa tratar con los niños, que sepa enseñarles y, lo más importante, que haya conseguido el título por su empeño y esfuerzo, habiéndose quedado muchos de sus compañeros por el camino.

En definitiva, únicamente pueden permitirse acabar la carrera aquellos que estén dispuestos a dedicar su vida a los niños, aquellos que hayan superado todas las pruebas con esfuerzo porque realmente querían lograr su objetivo, dedicarse a la educación.

Vive la vida

MENOS ES MÁS

Uno de los primeros ejercicios de Proyectos2, fue la visita al Ivam, el Instituto Valenciano de Arte Moderno, donde se expuso la colección del IVAM XXV Aniversario donde se mostraban las obras más descriptivas de arte del siglo XX.

Habían tres secciones, la primera sala iba de los años 20 hasta el final de la Segunda Guerra mundial, donde see re flejaba el Dadaismo y el Surrealismo. La segunda sala iba desde los 50 a los 90 años, donde se buscaban nuevas formas de expressar, se buscaba un informalismo, un arte más abstracto.Y la tercera sala iban de los 90 hasta la actualidad, que es donde se ha empezado a reflexionar desde el arte, queriendo expresar, identidad, quejas, definiendo lo que pide la sociedad, lo que le agrada. 

TONY SMITH - THE KEYS TO GIVEN     1965

De todas las salas me gustaron más las de la sala de los 50-90 quizas, porque todas las modas y tendencias vuelven. Esta escultura me gustó al momento por su estilo minimalista, una forma geométrica sin texturas para apreciar su pureza en sí. Su autor, Tony Smith es un escultor que se define por la forma de sus esculturas, busca la figura idónea a través de la geometría para que la percepción humana asimile de forma más clara y fácil lo que  ve y de esta forma lo recuerde. Sus obras tienen cualidad “gestáltica”, es decir se basa en la simplicidad, simetría y equilibrio.

Esto es aplicable a la propia arquitectura ya que los edificios y monumentos arquitectónicos más emblemáticos e icónicos del mundo provienen a partir de bocetos de simples formas geométricas, como los ejemplos siguientes.

"Menos es más." - Ludwig Mies van der Rohe

COCACOLASECRET

SE VENDE

Que se vende en nuestra sociedad? Que es lo que vende ahora? Que es lo acapara las miradas de nuestra sociedad?
En esta fotografía parezco yo, la foto esta tomada de esta misma tarde, por un fotógrafo profesional que vive de ello. Yo como millones de chicas más, me lancé al mundo del modelaje, de la moda, de las pasarelas, de la fotografía publicitaria o por puro gusto, y no, no vivo de ello, hago pequeñas cosas, como se suele decir, algunos pinitos, pero por ahora no me doy al cien por cien en este tema, aunque me gustaría poder viajar fuera, porque en este momento no hay oportunidades en España, para las nuevas caras, los nuevos modelos, ya que la crisis llega hasta estos ámbitos.
El fotógrafo buscaba renovar portfolio, y yo también lo necesitaba, así que la sesión de fotos que hicimos es lo que se llama un TFCD, un intercambio, en donde la modelo presta su imagen al fotógrafo y este le da todos los derechos de la foto a la modelo también, y de esta manera los dos nos beneficiamos teniendo nuevo trabajo que poder mostrar a la agencia.
Como en la mayoría de las sesiones, no conoces al fotógrafo, haces un primer contacto al saludarlo, y vas manteniendo cierta conversación, hasta soltarte y se puede apreciar en el transcurso de las fotos. Mientras conversábamos, el me explicaba lo que quería conseguir, o que mostrase, que fuese yo, que fuese natural, que fuese fluida, que no posara... Yo sabía de que estilo iban a ser las fotos, un rollo, sensual, atractivo, provocador ( ya que buscaba una sesión así para ampliar perfiles que no tenía), pero me ha impactado cuando el mismo fotógrafo me ha contado, que al principio le fastidiaba que la gente solo apreciase el estilo de sexualidad que toma en sus fotos, que solo lo caracterizasen por eso, y que la gente no apreciaba las fotografías tomadas con un rollo más de moda, de maquillajes o sesiones de peluquería. Como el seguía diciendo, la gente quedaba marcada más por las fotografías que inspiraban sexualidad, provocación, sexo, picardía... Que es lo que vende, se vende morbo, sexo implícito, y que es la imagen que ahora le caracterizaba, aunque no le gustase, pero que de la misma forma aprovechaba para promocionarse.
Y es así, la moda, poco a poco se esta convirtiendo en un marullo de poses indescriptibles, cuellos estirados como si se doblasen, bocas entreabiertas, y ojos cerrándose, como si se tratase de un orgasmo por llevar un vestido puesto. Los fotógrafos más famosos (como Terry Richardson, a la derecha fotografía tomada por él mismo de la cantante Miley Cyrus) y nombrados son caracterizados por ese estilo, fotografías tomadas con provocación, insinuando. o sin insinuar (yendo al grano), interpretado por modelos famosísimas que completan su meta de seguidores en las redes sociales con las visitadísimas fotos. Y como así en muchos ámbitos más.


La foto la he elegido, porque esta mínimamente sin retocar, ya que me la ha enviado nada más volver a casa, y por que es una foto natural, donde predomina mi mirada y me gusta... Representa una de las frases que más me gusta: "Transforma tu cuerpo entero en visión, hazte mirada" - Rumi.

COCACOLASECRET

El arte y la composición.

La arquitectura es la disciplina que se ocupa de configurar los lugares para el habitar humano, el arte de proyectar y construir edificios. Por ello la arquitectura en general, ya sea en el origen de los tiempos o actualmente, siempre ha habido, hay y habrá un porqué detrás de algo tocado por las manos de un arquitecto.

El arquitecto es el hombre capaz de llevar a cabo diversas tareas con la finalidad de que la obra construida sea única, es el pensador que cuida el más mínimo detalle.  Una edificación tiene que cumplir una serie de requisitos los cuales hagan de ésta un lugar agradable para el ser humano. Por ello, se dice que una edificación tiene que ser funcional, además de tener una composición y por lo tanto unas dimensiones o proporciones.

En la visita que realicé al Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) me llamaron la atención varias obras pero es la que pongo a continuación, llamada Proportions, la que mejor expresa lo que quiero comentar. Además añado una imagen del Partenón de Atenas para que se entienda la relación con la obra que he escogido.

Obra: Frantisek Kupka. Proportions, 1934

Proporciones en Partenón, Atenas (Grecia)

La selección de las imágenes viene dada en parte por lo descrito anteriormente, en mi opinión las proporciones son muy importantes a la hora de proyectar y pensar una obra, ayudan sobre todo a entender una edificación y a ver que sea racional, es decir, similitudes entre las dimensiones del propio edificio.

En primer lugar, la obra de Frantisek Kupka “Proportions” fue una de las que más me llamó la atención, como otras obras expuestas, pero creo que ésta es la que mejor refleja lo que pienso ya que creo que las proporciones tanto en una edificación como en cualquier otra disciplina, el dibujo por ejemplo, tienen una gran importancia para su desarrollo y finalidad.

En segundo y último lugar, la imagen del Partenón de Atenas. Con esta imagen se puede observar la relación que existe con las proporciones, de hecho, es toda proporción. Es uno de los ejemplos más claros y llama la atención como siendo una construcción tan antigua ya dejaba ver el porqué de su forma, la relación entre las partes (techo y columnas).

Finalmente, decir que teniendo en cuenta la proporción como sistema de medida, se obtiene, por naturaleza, más sentido a las cosas.

Abelinopanyvino

El arte de los bombones

Como todos los años, por esta fechas, llegan los anuncios navideños de  bombones. El anuncio de Ferrero Rocher relaciona el delicioso sabor de chocolate con las excelentes obras de arte, como Nenúfares de Claude Monet, Composición VIII de Vasily Kandinsky y El beso de Gustav Klimt. 

Sin duda, se trata de resaltar la fusión perfecta de la almendra y avellana (Ferrero Manderly)  con el efecto que produce la fusión de los matices de la obra de Monet. Saborear la intensidad que revela la fuerza del cappuccino (Ferrero Cappuccino) como Kandinsky revela la energía y el dinamismo en su obra mediante las figuras geométricas. O tal vez si la preferencia es la dulzura y la suavidad, no hay nada mejor para el paladar que degustar la delicadeza de chocolate blanco (Ferrero Tenderly White), comparable con un beso dulce  representado en la obra de Klimt.

- Anuncio Ferrero Golden Gallery 1 

https://www.youtube.com/watch?v=2D2VDa5hqx4

- Anuncio Ferrero Golden Gallery 2

https://www.youtube.com/watch?v=57JABpv_uCE

Nenúfares , Claude Monet

     Composición VIII ,Vasily Kandinsky

  El beso, Gustav Klimt

Viks

Jóvenes Artistas

El pasado mes de septiembre tuvo lugar en el “museu de la festa” de Algemesí, una exposición protagonizada por los jóvenes artistas de la ciudad. A lo largo de la exposición se podía disfrutar de las diferentes modalidades para interpretar el arte, entre ellas las clásicas pinturas o esculturas, poesía o literatura, fotografía y arte textil. Además de esto, el día de la inauguración tuvo lugar en el mismo museo interpretaciones de música y performance.

Para cada joven artista se destinó un lugar donde se concentraban las diferentes obras de cada uno de ellos. Entre ellos he querido destacar a mi querida amiga Gema García García, estudiante de bellas artes en la universidad politécnica de Valencia.

A pesar de ser todavía una principiante y de tener todavía por delante un período para seguir con su formación y depuración de su técnica, sus resultados son realmente buenos.

Entre las diferentes obras expuestas por Gema he querido destacar las siguientes.

Título:  “L’espera”        (100x227 cm)

Explicación: Se trata de un tríptico en el que se presenta una reyerta entre un carácter más figurativo y otro abstracto y pictórico de técnicas experimentales.

Técnica utilizada: acrílico + collage sobre suporte rígido.

Título: “Nu” (92x73 cm)

Explicación: Obra figurativa; retrato expresivo de una anciana amb cigarro. 

Técnica: acrílico sobre soporte flexible.                

Título: “Autorretrat” (100x70 cm)

 Técnica: carbón, y pastel sobre soporte de papel.

Sailorcloth

¡Olé, qué Arte !

El museo nacional del Prado. Madrid

El museo nacional del prado se encuentra en Madrid y es una de los más importantes del mundo. En el se contiene una gran colección de arte europeo del  siglo XVI hasta XIX. Estas obras pertenecen tanto a artistas españoles (Velázquez, El Greco, Murillo, Goya, Zurbarán…) como holandeses (Rubens y Van Dyck) o italianos (Rafael, Tiziano, Tintoretto…).

Entre sus obras más conocidas se encuentran “Las Meninas” de Velázquez, “Los fusilamientos” de Goya, “Las tres gracias” de Rubens y “El caballero de la mano en el pecho” de El Greco.

Aunque podría elegir cualquier obra de las anteriores, que poseen más renombre, me he decantado por un artista de nuestra tierra, Juan de Juanes. En concreto en una de sus mejores obras, “La ultima cena”.

 

“La santa cena” de Juan de Juanes data de 1562, mide 116x191 cm, y la técnica usada es óleo sobre tabla. Existen diferentes versiones pero la mejor y más colorida es la que se encuentra en el museo del Prado.

Juan de Juanes representa en este cuadro la última cena que narra la biblia en la que Jesús reunió a sus 12 apóstoles. El momento exacto es la eucaristía en la que se ve a Jesucristo partiendo el pan con sus apóstoles y diciéndoles que era su cuerpo y se lo entregaba a ellos.

Este cuadro pertenece a un arte de época moderna renacentista porque pretende un retorno tanto a la arquitectura clásica como a los temas clásicos. En este cuadro se aprecia el renacentismo en el fondo, donde se observa una habitación clásica con columnas y arcos. El tema vuelve a ser religioso bíblico y muestra una composición equilibrada, clásica, racional, ordenada y jerarquizada.

 En esta obra, el autor pretende aproximarse a la realidad con el uso de sombras y pintando a verdaderos hombres, cada uno con su edad y su expresión. Los colores utilizados ya se aproximan más a la realidad sensible.

“La Santa Cena” de Juan de Juanes podría ser comparada con la de Leonardo Da Vinci, pero existe una diferencia a simple vista. Esta diferencia es el momento en que se encuentran en la cena los apóstoles y Jesucristo. En la de Juanes se encuentran haciendo la Eucaristía y en la de Leonardo, Jesús acaba de comunicarles a los apóstoles que alguno de ellos va a traicionarle. Otra diferencia podría ser que Leonardo suprime los nimbos mientras que Juanes los conserva.

Mucha gente pretende encontrar una copia de Leonardo en Juan de Juanes pero en mi opinión se complementan porque no tratan el mismo momento de la cena. La intención de ambos fue intentar hacer creíble un acontecimiento bíblico.

Imlovingit